时尚和艺术场恋爱

时尚爱上了艺术

2006年圣诞节期间,路易威登全球360家专卖店的橱窗同时亮起了一只金色的眼睛瞳孔.这只“瞳孔”是丹麦著名艺术家奥拉维尔埃利亚松（Olafur Eliasson）专为路易威登设计的灯饰作品“眼看你”（Eye See You）.晚上,灯里打出接近阳光的金黄单色光,过于强烈的光亮让周围所有的景物呈现出黑白照片的观感,走近去看它,你的眼睛也因为它而变得魔幻诡异.他的另一件作品“你看着我”（You See Me）也在纽约第五大道的路易威登专卖店同步开始永久性展出.2005年10月,巴黎香榭丽舍大街路易威登旗舰店重新开张,埃利亚松为其创作了作品“无知无觉”（Votre Perte des Sens）.
埃利亚松仅仅是路易威登热心赞助的艺术家之一,在香榭丽舍旗舰店的7楼,更是一家美术馆,开业以来已举办若干次主题艺术展,展出了多位艺术家的作品.它楼下的6层店面,也装饰得像画廊,工作人员小心翼翼地站在不远的角落里,挂着警卫的表情,似乎在无声地提醒顾客：你看到的可是有文化价值的东西.
时尚和艺术,原本是社交圈里暗自较劲的两个名人,若是在鸡尾酒宴会上不期而遇,谁也不会屈尊上前跟对方打招呼,只当对方是透明.在英格丽斯西（Ingrid Sischy）看来,没什么奇怪的,“在谈论视觉语言的时候,大家从来都会把时尚自动摘出去.老话说了：时尚是艺术的敌人”.斯西曾把三宅一生的头像放在她任主编的《Artforum》杂志封面上,艺术家们出离愤怒,斯西回忆说,大家简直都疯了.艺术和时尚彼此心存傲慢与偏见,在设计师眼里艺术家过于放荡不羁,而艺术家则不屑一顾设计师们的精致、矫揉.偶尔,对立关系会有缓和,比如伊夫圣洛朗从画家蒙德里安的作品中汲取灵感,推出了震惊世界的“蒙德里安”系列.但这样的成功例子屈指可数.
英格丽斯西曾任《访问》、《名利场》主编,一心想把时尚和艺术撮合在一起.1996年,她和古根海姆博物馆当代艺术馆资深策展师杰曼诺西朗特（Germano Celant）、卢吉塞特姆布里尼（Luigi Settembrini）联手策划了佛罗伦萨双年展.在主展厅,时装作品和艺术作品并肩而立,缪西亚普拉达挨着英国“坏小子”艺术家达米恩赫斯特,阿齐丁阿莱亚身边的是导演、画家朱利安萧贝尔,吉阿尼范思哲紧邻波普艺术大师罗伊利希滕施泰因（Roy Lichtenstein）.这个展览将艺术和时尚联合在一起,似乎宣告说设计师和艺术家是平等的,具有里程碑式的意义.实际情况是,展览中的一些搭配是设计师和艺术家私下里协商好的,有一些配对则互相掐得不亦乐乎,还有一些伴侣在展览完后就不认识了对方,各走各的阳关道.有评论家说,这个展览真是自命不凡,自说自话,愚蠢到顶了.相比之下,时尚业更重视这种联手合作,欢呼时尚与艺术跨界合作的新时代就要来了.模仿美术馆来布置店堂,就是时尚界向艺术圈表达崇敬的最高方式.
于是,思泰拉麦卡特尼钻进老爸家的地下室翻箱倒柜,找出著名水彩画家盖瑞休谟（Gary Hume）的作品,请他设计了一批限量版T恤衫.维维安韦斯特伍德直接把马蒂斯的名作印在了自己的服装上.路易威登的举动特别引人注目.早在2001年,路易威登的设计总监马克雅各布斯就委托英国插图画家朱莉弗尔霍文（Julie Verhoeven）设计2002春夏手袋系列,称赞她的设计天马行空,非常奇异.接着又找到日本艺术家村上隆,推出了樱花系列手袋,获得极大成功,成为时尚和艺术跨界合作的最成功范例.亚历山大麦克奎恩请来电影导演约翰马布里为其新装秀制作影片.

双赢的跨界合作

麦卡特尼曾经邀请水彩画家大卫拉姆弗莱（Did Remfry）为其时装画广告,她赞扬艺术家的观点使得时尚产品更加人性化.很重要的一点她没有说出来,时尚加入了艺术元素,流行的时间就超过了一两个季节,有了价值.时间一久,成为古董装、古董包,在拍卖会上是能拍出好价钱的.
进入21世纪,艺术圈集体放低了身段,似乎抛弃了成见,渴望与时尚业对话、交叉,希望拧成一股绳共同受益.美术馆热情洋溢地献出店堂,展览时尚设计作品.艺术家们纷纷在各大品牌提供的新画布――皮草、棉布、丝绸上实现艺术理想.
艺术家越界时尚设计,切实改变了现实处境.装置艺术家杰西卡奥登（Jessica Ogden）说:“靠艺术作品我真没法活下去,所以我就得不断地把我的艺术感觉注入到时尚业中去.”话音刚落,她就开始了和法国大品牌APC的合作.毕业于圣马丁艺术学院的插图画家唐雅凌（Tanya Ling）也有一个时装系列,和她的绘画作品一样出名,她丈夫称之“具有美术馆的雅致风尚”.弗尔霍文和路易威登的合作让她在时尚界一炮成功,意大利时装品牌Gibo立刻请她设计2003春夏成衣系列.虽然她总说画画是主要兴趣,但还为约翰加利阿诺和马丁斯特伯恩工作过.
弗尔霍文认为,时尚应该经过艺术砂纸的打磨,设计师、艺术家,都是创作者,跨界对他们是个好事,能为创作发现新的视点.同时,“这样两个领域里的人都不能舒舒服服地睡大觉、不求上进,也不能再自以为是”.
艺术圈和时尚界沟通和争论的中心问题是：艺术家该做什么,设计师又该做什么?各自如何看待自己的创作?二者之间有没有相似之处?差别又在哪里?
“从此以后,我不再问自己‘艺术是什么’这样的问题了”,纽约现代美术馆建筑和设计馆馆长说.他的馆内仅有一件展品是衣服,西班牙设计大师马瑞阿诺佛坦尼（Mariano Fortuny）的作品.他认为答案很简单,有些事情时尚能做得到,艺术却做不到.“艺术和时尚最大的区别是功能”,策展人克莱尔韦尔考克斯一针见血地指出.她曾于2003年在伦敦维多利亚和阿尔伯特美术馆担任吉阿尼范思哲设计回顾展的主管.“设计是项手工艺,功能是针对人体的,它和艺术的目的不同.”她强调,时尚必须具有实用性,否则就是废物.
弗尔霍文也说,艺术和设计虽然是对立面却关系亲密.“艺术创作完全是自我放任的行为,你不用考虑别人的想法.但时尚设计完全不同,由着性子来就太可怕了.如果把艺术那一套不由分说放在时装上,服装业就要抓狂了.”

不可能平等的关系

2003年,比利时设计师拉芙西蒙（Raf Simons）在佛罗伦萨举办了一个摄影展,名字干脆叫做《热情欢呼吧：时尚引诱了艺术》.
从这里,可以看出,在时尚和艺术的关系中,时尚占上风.时尚圈更自恋,除了自己谁都不爱.1998年阿玛尼曾说他的作品“完全能够和20世纪最有影响的艺术作品并肩”.时尚集团都是大财团,对艺术更多的是出钱赞助.可可夏奈尔曾赞助多位艺术家,阿玛尼这种在时尚界呼风唤雨的大佬是艺术品的主要者,范思哲大量了安迪沃霍尔和利希滕施泰因的作品.Hugo Boss集团于1996年以自己的品牌冠名设立一个艺术奖项,向德国古根海姆博物馆提供赞助,每年奖励一位成就卓越的当代艺术家,奖金5万美元.钱不多,但Hugo Boss奖是重要的当代艺术奖项,获奖艺术家从此在艺术品交易市场上有了影响力.
汤姆福德接受《i－D》杂志采访时,慷慨赞美欧普艺术家阿尔斯沃茨凯利（Ellsworth Kelly）:“创作出它们太难了,我不知道我有没有精力做这样的事.”故作谦虚的口气中掩饰不住优越感.多娜卡伦也从蒙德里安的绘画中汲取灵感,有一次在巴黎,勉强被她的最新一任丈夫拉去参观毕加索美术馆.在美术馆里,卡伦走马观花地在每间屋子穿行.一会儿,她丈夫听到妻子从另一间展厅里传来的惊呼,跑过去看见卡伦正对着一面的绿色墙壁大呼小叫,说,多么美丽的颜色,可以用在下一季的女式内衣.如果你问她,时尚是艺术吗?她一定会用英超球队利物浦俱乐部前主教练的话回答:“有人说足球事关生死,我说足球比生死还重要.”她这种自命不凡的态度代表了相当一部分时尚业人士的看法.一些艺术家们不甘示弱地反唇相讥：就算时尚整体地艺术化,设计师全部艺术家化,它也不是艺术.